Le Cycle d'Orphée et Eurydice 1 et 11
"... et quand le jour s'enfuit,
ma voix avec la nuit
appelle encore Eurydice, Eurydice...
"...pourquoi fuis-tu ces regards que tu
chérissais tant..."
Face à la dévalorisation et au morcellement
progressifs de l'entité humaine, dans ces tableaux le corps
est ressuscité. Par le biais d'une fusion de styles, il
recouvre son intégrité grâce au déploiement
d'une gestuelle intime et dynamique, de même que l'utilisation
du grand format redonne à la peinture une dimension juste,
à l'échelle humaine - c'est-à-dire démesurée
-, qu'amoindrit le phénomène répandu de la
reproduction. Le corps acquiert aussi une liberté de mouvement
par le jeu des perspectives, laissant le spectateur choisir l'angle
de vision et imaginer un prolongement à la toile. Luc Archambault
nous rappelle ainsi que tout tableau est abstrait et que tout
regard se raconte une histoire.
Saisis dans l'instant de leur apparition, de leur
vibration, les personnages se savent regardés, ils semblent
annoncer une métamorphose prochaine et amorcer un dialogue
avec l'environnement. Que des corps d'"hommes" soient
ici représentés témoigne d'une nouvelle
sensibilité anthropologique. Il s'agit d'une peinture qui
de ne se refuse pas à l'émotion et qui recoupe les
préoccupations de l'écriture actuelle, de l'écologie,
ainsi que la réémergence des valeurs symboliques
comme révélateurs de l'expérience intérieure.
L'ancien et le nouveau concourent au même effort de synthèse.
Platon ne parlait-il pas déjà des "anciens
grecs"?
Si le mythe est évoqué, c'est qu'il
est fondateur, obéissant à une loi du surgissement,
de l'ascension. Cette peinture ouvre l'accès aux pulsions,
veut éveiller le sentiment d'être. Elle raconte peut-être
une histoire à venir, l'appréhension globale d'un
destin. C'est une version actualisée du mythe d'Orphée
que nous propose Archambault, pour qui le regard porté
(ou non-porté) sur Eurydice concerne à part entière
le spectateur du tableau, l'invitant à réévaluer
pour lui-même l'injonction des dieux et l'enjeu de l'acte
à consentir. Mais un discours (parlé) sur le corps
ne peut qu'être en porte-à-faux: les tableaux attendent
d'être vus.
Pierre Laberge
|
|
A word about the painter. Luc Archambault
Born in Ste-Catherine de Fossambault, Québec
on August 2, 1954, Luc Archambault developped his taste
for creating art from 1967 through 1972 at the art workshop of
the Petit Séminaire
de Québec
under the direction of Father Lucien Godbout. Self-taught, Archambault
became well known as much for his paintings than as for his ceramic
sculptures, artistic and useful pottery. In 1972 he began producing
an impressive number of small, medium and large sized China ink
drawings. Since 1973 he held regular exhibitions of his work and
he went on to establish an important place for himself in the
world of painting.
His style of body sketching revealed a remarkable
sense of freedom. Through l'Événement
l'Art Aussi, an unconventional approach
to promoting his work, his influence reached far beyond his surrounding.
Indeed, in 1982, exhibits of his work were staged simultaneously
in some twenty public sites throughout Quebec City and
Sainte-Foy and in 1991, in Montréal,
with a Performance-Show with actors, dancers and musicians. He
was part of the first Quebec delegation to the young painters
show at the Grand Palais in Paris while exhibits of his work could
be seen in Boston, Montreal,Toronto, Altanta,
and in France in Paris, Aix-les-Bains, and Dieulefit.
His works are among numerous private and public collections.
A word about the work.
" L'Éloge
de Pythagore " (Praise of Pythagoras)
China ink and charcoal on wood-mounted paper, 93"
x 110", diptych mounting, a work by Luc Archambault
commissioned by Fortune 1000 for the presentation of its
new accounting systems, 1989 Edition.
His figures reflect human beings in their strict
bodily incarnation: material or ethereal, outside of their usual
cultural attributes (clothing, anecdotal, historical, space and
site contexts). The prototype attitude of his figures lend themselves
to as many interpretations as there are observers, from the prosaic
gesture to the simple sentiment of being.
To the fundamental theme in his work, the artist
adds the cube which here symbolizes abstract mental stuctures
created by the human spirit down through the centuries (language,
writings, geometry, mathematics, scientific and philosophical
concepts). The mental constructions embodied by the cubes evolve
at times like concrete objects in direct line with the intent
manifested by the figures while, at other times, they are in apparent
disorder without any obvious belonging to the coherence of the
bodies. They move around in space as satellites in orbit around
a celestial body or as electrons around an atom.
This twin evocation and dual relationship between
the figures and the abstract structures, as symbolized by the
cube, will call to mind the human spirit's relation with the universe;
on one hand there are those called upon when it manages to
grasp, comprehend and arrange the universe in a logical way and,
on the other hand, the ones which exist when reason is lost.
All this can be in the image of contemporary accounting
tools, from the angle of the concrete (accounting, sketches, charts,
estimates, etc.) and from the angle of the abstract(complex mathematical
calculations, statistics and extrapolations from variable or unknown
data), indeed all that the computer and its software can digest
and arrange.
|
|
